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lunes, 2 de enero de 2017

10 Directores de fotografía del 2016

1. Carol. Ed Lachman. Realmente no buscamos referencias en el cine, como sí en 'Lejos del cielo -el lenguaje del cine a través de Sirk. Aquí estamos representando y mirando a los significantes de culturales y visuales de su tiempo. Así que realmente miramos en fotografos de mitad de siglo, quienes eran fotoperiodistas. La mayor parte resultaron ser mujeres, como Ruth Orkin, Esther Bubleu, Helen Levitt y después Vivian Maier. Eran fotógrafas que comenzaban a experimentar con el color. Lo que me dio la idea de tratar de recrear una visualización de, digamos, el inicial Ektachrome, más que el Kodachrome, más que negativo de color. Y es por eso que los colores tienen esta clase de mezcla cálida y suave. Juego con magentas y verdes. El color no tenía un completo espectro como lo tiene hoy. Después apareció un fotógrafo que fue fotógrafo callejero y llego a ser fotógrafo de modo por un tiempo, pero fue más un fotógrafo artístico, Saul Leiter. Le usamos como referencia en 'Mildred Pierce, para crear este nivel de abstracción que sentimos podía reflejar sus mentes, sus estados emocionales. Nuestra aproximación fue mirar e incorporar la subjetividad de la mente enamorada Originalmente, en el libro, el personaje de Rooney Mara era una diseñadora de arte, por lo que fue una brillante idea de la guionista, Phyllis Nagy, el convertirla en fotógrafa. Nos permitió usar su relación subjetiva con su cámara para definir su evolución. Al comienzo su trabajo fotográfico es más acerca de verse a través de abstracciones y sombras y reflejos, como Vivian Mauer. Y después es capaz de fotografiar cosas fuera de sí misma, como a la misma Carol, cuando es capaz de abrazar la consciencia de su afecto y amor hacia Carol, y también de quien es ella misma, porque ella está aún en proceso de formación. Ella está en proceso de enfocar quién es. Cuál es su perspectiva y actitud ante la vida.
2. El renacido. Emmanuel Lubezki. Queríamos que la película fuera lo más naturalista e inmersiva posible. Las largas tomas, el equipamiento digital, y la manera en que se trabajó su exposición... Tengo un diferente grupo de lentes que me gusta, y todas se comportan de modo diferente. Todas tienen diferentes distorsiones y diferentes colores y diferente contraste. Las uso dependiendo del tema y el ambiente y la luz. En El renacido acabé usando muchas lentes llamadas Master Primes. Estas son muy definidas, muy duras y claras. E incluso aunque nuestra lente recurrente era la de 14 mm, es una lente que distorsiona muy poco para lo que es. Hace quince años nadie hubiera pensado en usar una de 14mm a no ser que fuera para un videoclip o algo que evocara un sueño. Conseguimos todas estas ventajas usando estas lentes y por supuesto la principal es cuán inmersivas son porque puedes tener tu figura de primer plano y el fondo presente a la vez. Así se consigue una imagen muy inmersiva. Cuando haces un primer plano de Leo la cámara está probablemente a escasos cemtimetros de su cara, pero la lente es tan amplia que puedes ver su rostro completo. Al estar tan cerca puedes captar cosas como su respiración y su sudor. Llega a ser una experiencia muy visceral. Hubo cinco o seis ocasiones donde quise que la imagen estuviera más distorsionada, casi para sentir como si la cámara sintiera la angustia y el dolor de Leo.
3. La llegada. Bradford Young. El principal contraste visual es entre sus recuerdos y la interacción con los heptapodos dentro de la nave, el cual es como un templo. Quería asegurar que los vínculos más remarcados tuvieran un cierto nivel de consistencia, un apropiado nivel de penumbras. Prioricé colores más suaves cuando quería reflejar el desgaste de Amy. Intentamos reducirlo, pero Denis me detuvo en la medida del color y me dijo que no me preocupara acerca de la tonalidad de la piel y que dejara que pareciera pálida, que la dejara manifestarse en ese espacio melancólico, que nos permitiera sentir eso visualmente. Sabemos que ella ha experimentado una gran pérdida en su vida. No importa cuantas luces estén encendidas. ¿Sabes lo que quiero decir? Tu perspectiva de la vida es muy miope, así que dejemos que la iluminación evoque eso. Creo que se aprecia en la universidad: ella recorre el campus que está completamente vacío. Ni un alma. Ella recorre una cafetería que está totalmente vacía. Ni un alma. Ella está en su despacho y esta misteriosa figura se insinúa en su puerta y no puedes ver su cara. Se sienta y aún no ves su rostro. Ella está retroiluminada. Estas cosas no ocurren en la realidad. Tú ves la cara de alguien de otro modo, pero te tomas esas pequeñas libertades para reflejar su conflicto.
4. Animales nocturnos. Seamus McGarvey. Para las escenas de Los Angeles, me inspiré en imágenes de algunas de mis favoritas películas de terror, como La semilla del diablo, de Polanski, y La casa encantada, de Wise. Para la parte del thriller queríamos hacer un noir muy nítido y afilado, casi una litografía en color, y para los flashbacks, empleamos filtros suavizadores de cristal para proporcionarles una especie de atmósfera espumosa, una perspectiva optimista y liviana. Tom quería una apertura visualmente llamativa. Creo que quería que los espectadores se preguntaran. ¿Qué es esto? Me habló de Fellini, El crepúsculo de los dioses, y obviamente estaba interesado en la tradición del desnudo, de Lucian Freud a Jenny Saville. Hay una desestabilizadora cuestión de oscuridad. Presenta una especie de corrompida Americana, con las banderas y el espumillón. Tom quería que el espectador se diera cuenta de que lo que va a presenciar es algo más psicológico, algo más bien peligroso. La apertura de la película es en vibrante, sobresaturado, empastelado color, como en un poster, y entonces Susan está ahí, después de que el atardecer haya terminado, y ella está sentado en negro. Después de la algarabía y la celebración de la apertura, nos encontramos con una mujer sola, pensando: ¿ De qué va todo esto?.
5. The Neon demon. Natasha Brione. Cuando ves 'Neon demon' cada plano, cada decisión estética es tan extrema y determinada que pensarías que está totalmente planeado desde el principio, pero la cuestión interesante es que no es así. En nada es más manifiesto este atrevido planteamiento que en la paleta del color. Esto es evidente desde el principio que comienza con un extremo uso del color cuando Jesse tiene su primer contacto con el mundo de la moda de Los Angeles. No quería que fuera realista su retrato, ni quería la apariencia suave e impecable de las imágenes con supermodelos. Más bien quería transmitir la sensación de Alicia entrando en el país de las maravillas. Los colores siempre son sutilmente cambiantes en esta escena, el azul se convierte en turquesa, y luego lila. La variación de color tiene su efecto en el cerebro. Quería que el espectador sintiera cuán extraño y abrumado resulta este mundo para ella. En vez de un jardín y un estanque, trabajamos minimamente – alrededor de la pasarela es todo negro- y creamos una interpretación conceptual de agua usando luz azul. Cuando Jesse camina hacia su reflejo en un misterioso triangulo, le di a la luz una textura líquida. Rebotamos la luz sobre espejos, a través del agua. Hice todo lo que pude para que pareciera agua.
6. The duke of Burgundy. Nicolas D Knowles
7. Aloys. Simon Gus Fassler
8. La espera. Francesco Di Giacomo.
9. Frantz. Pascal Marti
10. Sunset song. Michael McDonough

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